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DJ, Komponist und Musikkurator, Dj One Up kam über das Tanzen zur Musik. Der aus Poitiers stammende Künstler wuchs zwischen der Gitarre seines Vaters, der Vinylsammlung der Familie und Onkeln und Tanten auf, die in den 80er-Jahren Tanzwettbewerbe in Nachtclubs unsicher machten. Von 1998 bis 2001 war er Breaker, bevor er 2000 die Plattenspieler eines Freundes, das Scratchen und die manuelle Kontrolle über Musik entdeckte. 2003 wurde er gebeten, bei seinem ersten Dance Battle aufzulegen: In diesem Moment wusste er, was er machen wollte.
Nach seiner Ankunft in Nantes im Jahr 2007 machte er dies 2009 zu seinem Vollzeitberuf. Das Festival Hip Hop Session diente ihm als Sprungbrett, bis hin zu einer fünfzehnjährigen Residency an der Seite von DJs, die ihn inspiriert hatten, wie DJ Ben, Billy Brown oder DJ Renegade. Es folgten internationale Auftritte, das Event Evolution in New York und anschließend zwei Großprojekte: die Musikkuration für Breaking bei den Olympischen Spielen Paris 2024, mit fast 400 nach Jahrzehnten konzipierten Tracks, sowie die künstlerische Leitung von rund zwanzig Originaltiteln, die in Tokio mit dreizehn japanischen Musikern für Red Bull BC One entstanden.
In dieser Folge von Tales spricht er über das Joe-Cocker-Konzert, das ihn mit acht Jahren tief berührte, über die Anerkennung durch Gleichgesinnte in einer Wettbewerbskultur, über das Gleichgewicht zwischen Crew und Originalität, über die französische Handschrift des Battle-DJing und darüber, was sich zwischen DJ und Tänzer bereits in den ersten Sekunden eines Tracks abspielt.
Dj One Up – DJ, Komponist und Musikkurator
Das Tales-Interview
Wenn du so weit wie möglich zurückgehst: Was sind deine ersten Erinnerungen an Musik?
Ich habe mehrere, und sie sind stark mit meiner Familie verbunden. Als Erstes fallen mir die Momente ein, in denen mein Vater bei Familienanlässen Gitarre spielte: Geburtstage, Essen, Treffen mit Cousins, Cousinen, Onkeln und Tanten. Das hat mich als Kind wirklich geprägt und begleitet.
Bei meinen Eltern gab es außerdem eine Vinylplattensammlung und einen ziemlich speziellen vertikalen Mitsubishi-Plattenspieler. Man brachte uns bei, wie man eine Platte auflegt und wie man auf den Tonabnehmer achtet. Das war eine Art Lernen, fast ein Ritual. Diese beiden Dinge – gespielte Musik und gehörte Musik – haben mein Verhältnis zur Musik wirklich geprägt.
Es gibt auch eine sehr starke Erinnerung: das Joe-Cocker-Konzert. Ich bin acht Jahre alt, mein Vater nimmt mich mit ins Futuroscope in der Nähe von Poitiers, wo ich herkomme. Ich erinnere mich an jede Minute dieses Konzerts. Ich hatte überhaupt nicht damit gerechnet, was ich dabei fühlen würde. In diesem Alter bin ich noch weit von all dem entfernt, spiele Basketball und lebe mein Kinderleben. Und dann trifft mich das emotional mit voller Wucht.
Musik war in deinem familiären Umfeld also sehr präsent?
Ja, ganz natürlich. Ich spreche oft von music lovers. Es gab keine Profis in der Familie, aber Musik war allgegenwärtig. Wir haben viel getanzt, besonders auf der Seite meiner Mutter: Meine Onkel und Tanten waren in den 80ern Tänzer in Nachtclubs und nahmen an Wettbewerben teil. Tanzen war ein direkter Zugang zur Musik.
Es gab keine Grenzen, nichts Unantastbares. Wir lebten mit Musik. Sie gehörte zum Alltag.
Wie entwickelt sich dein Weg anschließend vom Hören hin zum Praktizieren?
Zunächst gibt es eine wichtige Phase: die Eigenständigkeit. Der Übergang vom Kollektiv zum Individuellen. Walkmans, Kassetten, dann der Discman, der MiniDisc. Da beginne ich, meine eigenen musikalischen Entscheidungen zu treffen. Mein Vater hörte viel Rock, meine Mutter französische Chansons. Und bei meinen Onkeln und Tanten gab es bereits erste Ansätze von Hip-Hop-Kultur.
Die Platten von De La Soul oder NWA, die ich heute noch habe, stammen aus dieser Zeit. Diese Eigenständigkeit führte mich ganz natürlich zur Hip-Hop-Kultur.
Dann kam das Tanzen. Bevor ich DJ wurde, war ich Tänzer, ein Breaker. Von 1998 bis 2001 besuchte ich gemeinsam mit meiner Schwester Hip-Hop-Tanzkurse in einem Nachbarschaftszentrum. Das war mein erster tiefer Bezug zu dieser Kultur.
Im Jahr 2000 lernte ich zwei enge Freunde kennen, Meryl und Florian. Florian hatte Plattenspieler. Ich entdeckte das DJing wirklich: Scratchen, die manuelle Kontrolle über Musik. Das war ein Schlüsselmoment. Es war noch lediglich ein Hobby, aber ich spürte, dass es auf allen Ebenen zu mir passte: musikalisch, technisch und emotional.
Wann wurde daraus mehr als ein Hobby?
2003. Man rief mich an, damit ich bei meinem ersten Dance Battle auflege. Und da wusste ich: Das ist es, was ich machen will. Zu diesem Zeitpunkt nicht unbedingt als Beruf, aber regelmäßig. Ich spürte etwas sehr Starkes: eine Verbindung aus technischer Beherrschung, musikalischer Treffsicherheit und der Reaktion des Publikums.
Von da an stellte ich vieles zurück: Sport, Schule. Ich konzentrierte mich auf das DJing. 2007 kam ich nach Nantes. Ich spielte meine ersten professionellen Gigs. 2009 wurde es mein Vollzeitberuf.
Zwischen 2009 und 2015 entwickelte ich mein eigenes Universum wirklich weiter. Ich machte wichtige Begegnungen und begann ab 2010 international aufzulegen. Ich arbeitete in dem Umfeld, das mich am meisten begeistert: Break, Battles, B-Boys und B-Girls. Außerdem entwickelte ich meine Arbeit als Komponist weiter.
Gab es Begegnungen oder Ereignisse, die deinen Werdegang wirklich verändert haben?
Ja, eindeutig zwei.
Das erste war das Festival Hip Hop Session in Nantes. 2008-2009 legte ich bei den Qualifikations-Battles auf. 2010 lud mich das Team von Pick Up Productions ein, beim Hauptevent zu spielen. Ich ging dorthin und dachte, dass dies vielleicht das einzige Mal in meinem Leben sein würde.
Nach diesem Event änderte sich mein Leben. Ich spielte plötzlich an der Seite von DJs, die mich jahrelang inspiriert hatten, wie DJ Ben, Billy Brown oder DJ Renegade. Hip Hop Session brachte mich auf die Weltkarte der Battle-DJs. Dort war ich fünfzehn Jahre lang Resident.
Der zweite Moment war das Event Evolution à New York. Es war mein erstes Mal in den Vereinigten Staaten. Nur sehr wenige Europäer werden eingeladen. Dort berührte ich etwas Magisches. Ich sah die Crews, die ich im Internet angeschaut hatte, die Rocksteady Crew, die ersten von Red Bull gesponserten Tänzer und internationale DJs. Ich war an der Quelle. Von da an war ich entschlossen, nur noch das zu machen: DJ und Komponist in der Hip-Hop-Kultur zu sein.
Spielt die Anerkennung durch Gleichgesinnte eine wichtige Rolle?
Eine riesige. In Frankreich, Europa und vor allem in den Vereinigten Staaten anerkannt zu werden, verändert vieles. Diese Kultur ist wettbewerbsorientiert. Man muss sich seinen Platz erarbeiten und seine Skills beweisen. Diese Anerkennung hat mir Selbstvertrauen gegeben. Sie hat mir ermöglicht, mutiger zu sein, mich zu behaupten und nicht mehr nur ein Fan zu sein, sondern meinen Platz einzunehmen.
Wie siehst du das Gleichgewicht zwischen Kollektiv und Individualität in der Hip-Hop-Kultur?
Die Hip-Hop-Kultur entstand aus Crews, aus Menschen, die im selben Viertel, manchmal sogar im selben Gebäude leben. Sie ist ihrem Wesen nach kollektiv. Doch sie entwickelt sich auf einer grundlegenden Fähigkeit: der Originalität. Selbst wenn man aus einem Kollektiv kommt, geht es nicht darum, zu kopieren, sondern eine eigene Identität zu schaffen.
Ich wollte nie eine Kopie von jemandem sein. Es ging darum, ich selbst zu sein und mich von denen inspirieren zu lassen, die vor mir da waren. Heute zeigt sich dieses Verhältnis zum Kollektiv stark in der Weitergabe. Ich habe unglaublich viel erhalten. Jetzt versuche ich meinerseits, es an die neue Generation weiterzugeben.
Du hast bei den Olympischen Spielen Paris 2024 eine Schlüsselrolle gespielt. Wie kam es dazu?
Zunächst wurde ich 2019 angefragt, als DJ bei den Weltqualifikationen im Breaking aufzulegen. Danach nahm ich selbst Kontakt zu den Teams von Paris 2024 auf. Ich schlug vor, über den Stellenwert der Musik in dieser Disziplin nachzudenken.
Damals gab es eigentlich kein wirkliches Musikthema. Man brauchte einfach DJs. Ich vertrat die Ansicht, dass Break ohne Musik keinen Sinn ergibt. Nach zahlreichen Gesprächen vertraute man mir die Musikkuration an.
Ich schlug eine Arbeit nach Jahrzehnten vor, von den 70er-Jahren bis heute, um die musikalischen Verästelungen des Break zu zeigen: Funk, Hip-Hop, Rock, Musik aus Südamerika, Bossa Nova … Insgesamt fast 400 Tracks. Die Idee war, diesen Reichtum vor den Augen der ganzen Welt zu zeigen.
Haben die Olympischen Spiele die Disziplin dauerhaft verändert?
Es war ein enormer Scheinwerfer, aber eher ein kurzer Blitz. Die Disziplin war bereits strukturiert und hatte große Events. Die Olympischen Spiele brachten Mittel, Komfort und Sponsoren. Doch es sind vor allem die bestehenden Kulturevents, die die Szene weiterhin am Leben halten.
Kürzlich hast du die künstlerische Leitung von Red Bull BC One in Tokio übernommen.
Meine Beziehung zu Red Bull und insbesondere zum Red Bull BC One besteht schon lange: Ich arbeite seit 2015 mit der Marke zusammen. Für die Ausgabe in Tokio kontaktierten mich die in Österreich ansässigen Teams mit einer konkreten Anfrage: eine neue Generation von Tracks zu entwickeln, die speziell der Break-Disziplin gewidmet sind.
Bei Red Bull BC One treten sechzehn Tänzer und sechzehn Tänzerinnen an, die zu einem bestimmten Zeitpunkt besten der Welt. Auf diesem Niveau ist Musik entscheidend. Sie begleitet eine Performance unter höchstem Druck, in einem äußerst stark kodifizierten Rahmen.
Für Tokio übernahm ich die künstlerische Leitung eines neuartigen Musikprojekts in Zusammenarbeit mit dreizehn japanischen Musikern, Beatmakern und Komponisten. Wir arbeiteten vor Ort im Studio, um rund zwanzig Originaltracks zu schaffen, die sowohl für den Wettbewerb als auch für die Mediennutzung rund um das Event gedacht waren.
Die Herausforderung bestand darin, mehrere Welten zu verbinden: traditionelle japanische Instrumente, Einflüsse aus der Gaming-Kultur und die sehr spezifischen Anforderungen von Break in Battles. Meine Rolle war es, den künstlerischen Rahmen vorzugeben, auf die Gesamtstimmigkeit zu achten und den Künstlern zugleich große Freiheit zu lassen.
Diese Tracks wurden anschließend sowohl in den Wettbewerb als auch in die Inhalte von Red Bull BC One integriert. Es ist ein Projekt, das ich sehr mag, weil es musikalische Kreation, lokale Kultur und Performance auf höchstem Niveau verbindet.
Gibt es eine „French Touch“ im Battle-DJing?
Ja. Es gibt eine französische Handschrift. Einen organischeren Zugang zur Musik, der oft von anderen Kulturen und anderen Stilen beeinflusst ist. Persönlich bin ich stark von Klängen aus dem Nahen Osten und Nordafrika geprägt. Diese Originalität, diese Art, sich von amerikanischen Codes zu lösen, wird bei französischen DJs schon lange anerkannt.
Wie ist deine Beziehung zu den Tänzern im Battle?
Der DJ ist da, um den Tanz zu begleiten, aber nicht nur. Er muss Atmosphären schaffen. Schon am Intro eines Tracks weiß man, ob es funktionieren wird. Der erste Track kann den Verlauf eines Battles verändern.
Die Musik kann einen Tänzer über sich hinauswachsen lassen und ihn an Orte bringen, die er sich nicht vorgestellt hatte. Diese Verantwortung ist groß. Wenn Musik und Tanz perfekt aufeinandertreffen, entstehen Momente, die man nicht vergisst.
Wenn du dir das ultimative Break-Event vorstellen müsstest?
Ich würde zu den Wurzeln zurückkehren. Nach New York, in die Bronx, dorthin, wo DJ Kool Herc seine ersten block parties veranstaltete. Ein Event in Form einer Jam auf der Straße, mit der Crème de la Crème der Tänzer und DJs. Zurück zum Wesentlichen.
