Antoine Le Guern, musikalischer Supervisor von Nouvelle École: »Die Stücke müssen aus der Sendung herauskommen können«

Pianist, der spät zum Instrument kam, Antoine Le Guern glaubte zunächst, dass er Tontechniker werden würde. Da er nicht in die Louis-Lumière aufgenommen wurde, ging er über die American School of Modern Music in Paris, wo er Harmonie lernte. Anfang der 2000er Jahre produzierte er seine ersten Maxis mit dem DJ Greg Gauthier auf dem Label Kif Records, mitten in der French Touch, und gründete dann die Band Mani mit Mani Hoffman, der Stimme von Starlight. Die Band unterschrieb bei My Major Company und veröffentlichte Bang Bang.

Mit 38 Jahren ändert er seinen Alltag, ohne die Musik zu verlassen. Er gründet 2013 die Agence Gaspard, lernt Verlagswesen und Management und geht auf Werbeagenturen zu, um Komponisten zu vertreten, die ihm zu zurückhaltend erscheinen. Die Begegnung mit Romain Paillot macht ihn zum Agenten für Komponisten im Bereich Fiction. Es folgen die ausführende Produktion und dann die musikalische Supervision: für Werbung bei THE, der Firma von Raphaël Fruchard und Serge Escande, und für Nouvelle École auf Netflix, die er seit der zweiten Staffel begleitet.

In dieser Folge von Tales blickt Antoine zurück auf ein Konzert von Europe im Zénith, das ihn mit etwa 12, 13 Jahren beeindruckt hat, auf einen Weg voller Umwege und darauf, was der Beruf des Supervisors wirklich bedeutet: die Nutzung eines Samples aus dem französischen Rap aushandeln, Songs aus einer Talentshow auf Streamingplattformen bringen oder die Herkunft von Musik in Zeiten der KI garantieren.

Antoine Le Guern - Musikalischer Supervisor und Komponistenagent

Das Tales-Interview

So weit du dich erinnern kannst, was sind deine ersten musikalischen Erinnerungen?

Ich habe da zwei ganz genaue Erinnerungen. Die erste ist mein bester Kumpel, der Saxophon gespielt hat. Ich bin zu seinen Proben in seinen Keller gegangen und erinnere mich, dass ich dachte, das sieht unglaublich cool aus. Ich war frustriert, nicht mitspielen zu können. Ich wollte das Gleiche machen.

Und dann gibt es mein erstes Konzert: Europe im Zénith. Ich weiß nicht mehr genau, warum ich dort war, ich war wohl 12, 13 Jahre alt, kein großer Fan, aber ich war total begeistert. Der Sound, die Haltung, das Gesamtpaket... The Final Countdown. Damals war das ein echter Knaller.

Wie war das familiäre Umfeld in Bezug auf Musik?

Es gab ein Klavier zu Hause, meine Mutter spielte es. Das Instrument war da, ohne dass es unbedingt prägend war. Ich war nicht im Konservatorium. Ich ging in eine CHAM-Klasse, obwohl ich nicht wirklich Musik machte, einfach weil die Klassenstärke ausgeglichen werden musste.

Im Nachhinein bin ich mir nicht sicher, ob das der Auslöser war. Aber das Klavier war da, ein paar Schallplatten auch, und als ich anfangen wollte, war es ganz natürlich dieses Instrument, zu dem ich griff.

Wann hast du verstanden, dass Musik mehr als nur ein Hobby sein würde?

Ziemlich spät. Ich begann mit Pianounterricht mit 15-16 Jahren. Am Ende der Schule dachte ich schon, es sei zu spät, um Profi-Musiker zu werden. Ich dachte dann daran, Tontechniker zu werden, mit dem Ziel, in die Louis-Lumière zu kommen. Ich versuchte einen Weg über Mathe und Physik, ohne Erfolg.

In der Zwischenzeit nahm die Musik immer mehr Raum ein. Ich hatte Freunde, die jedes Wochenende Schallplatten kauften: amerikanischer Rap, französischer Rap, später House und elektronische Musik. Wir hörten zusammen, entdeckten gemeinsam. Die Leidenschaft entstand auch aus dieser kollektiven Dynamik.

Als dieses schulische Projekt scheiterte, beschloss ich, die Musik ernsthaft anzugehen. Meine Mutter konnte mir die American School of Modern Music in Paris finanzieren, und dort begann alles wirklich.

Was hat dir dieses Lernen gebracht?

Harmonie. Sie ist das Bindemittel vieler Musikstile. Jazz gibt dir eine Sprache, mit der du dann Pop, Elektro, Disco oder Reggae angehen kannst. Harmonie zu verstehen heißt, sich zwischen sehr unterschiedlichen Ästhetiken bewegen zu können.

Was sind die großen Kapitel deiner beruflichen Laufbahn?

Sehr schnell begann ich, elektronische Musik zu produzieren, vor allem mit Greg Gauthier, im Umfeld der French Touch Anfang der 2000er. Ich veröffentlichte meine ersten Maxis auf Faster Jays Label - Kif Records. Es war eine intensive Zeit: meine ersten Platten, meine ersten fertigen Produktionen.

Dann gründete ich die Band Mani mit Mani Hoffman, dem Sänger von Starlight. Wir unterschrieben bei My Major Company. Die Band hat sich nicht dauerhaft etabliert, aber es war extrem lehrreich.

Wann hast du deine Richtung geändert?

Das Studio war immer der Ort, an dem ich am meisten Spaß hatte. Ich mochte es, arrangieren, komponieren, produzieren, am Computer zu sitzen, einen Song fertigzustellen. Und dann, mit 38, nach dem Abenteuer Mani, hatte ich das Bedürfnis, meinen Alltag komplett zu verändern.

Ich habe nie gesagt, dass ich mit der Musik aufhöre. Aber ich wollte einen anderen Bereich dieses Universums entdecken: Musik für Bild.

Ich habe eine Struktur gegründet, die Agence Gaspard heißt. Ursprünglich war das keine klassische Komponistenagentur, noch eine Gesellschaft, deren zukünftige Form ich genau kannte. Aber ich wusste, dass ich mich weiterbilden musste: im Verlagswesen, im Management, in der rechtlichen Strukturierung. Ich habe die Gesellschaft gegründet, gelernt, eine Verlagsstruktur aufzubauen und die Mechanismen dieses neuen Berufs zu verstehen.

Ich hatte Freunde um mich, die schon im Bereich Musik für Bild arbeiteten, wie Maxime Lebidois, Gründer von Beat Assaillant. Wir trafen uns in denselben Studios in Montrouge, manchmal mit denselben Teams. Ich sah ihre Arbeit, ihr Talent, und gleichzeitig fand ich, dass sie sich nicht genug in den Vordergrund stellten.

Ich schlug ihnen vor, ihre Demos zu nehmen, sie auf einer Website zu veröffentlichen und bei Werbeagenturen anzufragen, um Projekte für sie zu finden. Ich startete ohne Netzwerk, ohne etablierte Kontakte, wirklich bei null. Ich erstellte die Website, strukturierte die Gesellschaft, begann, einige Kontakte zu knüpfen. Es war hart. Niemand erwartete mich. Aber die Struktur entwickelte sich langsam weiter.

Um mich abzuheben, traf ich eine einfache Entscheidung: die Komponisten in den Vordergrund stellen. Damals präsentierten sich viele Gesellschaften als „Sound-Prod“, ohne jemals die Personen hinter der Musik zu zeigen. Ich zeigte Fotos und Namen der Komponisten, die mir vertrauten. Ich sah mich noch nicht als Agent, sondern als Vermittler.

Die ersten Budgets kamen rein. Dann traf ich Romain Paillot. Er fing an, im Bereich Fiction zu arbeiten, und bot mir an, sein Agent zu werden. Da begann ein neues Kapitel. Ich gründete Agence Gaspard 2013, und diese Agenturtätigkeit strukturierte sich etwa 2017-2018 parallel zur Arbeit in der Werbung.

Seitdem entwickle ich beide Netzwerke, Werbung und Fiction, unter derselben Einheit. Agence Gaspard wurde sowohl zu einer Musikproduktionsstruktur als auch zu einer Agentur zur Begleitung von Komponisten für Filmmusik.

Wie kommst du dann zur musikalischen Supervision?

Nach und nach. Ich hatte einen Rahmenvertrag mit der Gesellschaft Audible unterschrieben, um mich um die Originalmusik der Audio-Fiction zu kümmern, die sie produzierten. In diesem Zusammenhang traf ich Raphaël Fruchard und Serge Escande. Ich kümmerte mich um die Originalmusik, sie produzierten die Inhalte mit ihrer Gesellschaft Engle.

Wir verstanden uns sehr gut. Raphaël schlug mir vor, zu THE zu wechseln. Zu diesem Zeitpunkt verließ die Person, die für die musikalische Supervision in der Werbung zuständig war, die Struktur, und so begann ich, die musikalische Supervision für Werbung bei ihnen zu übernehmen.

Wie würdest du den Beruf des musikalischen Supervisors definieren?

Der Beruf des musikalischen Supervisors lässt sich nicht einfach zusammenfassen. Es ist vor allem die Kombination mehrerer Kompetenzen. Man braucht künstlerische Kompetenzen, muss Musik sprechen können, juristische Kompetenzen für die Rechteverhandlung und natürlich zwischenmenschliche Kompetenzen, um sehr unterschiedliche Situationen zu managen.

Es ist ein Beruf an der Schnittstelle mehrerer Welten, bei dem man die künstlerischen Anforderungen verstehen, die juristischen Zwänge antizipieren und die Menschen begleiten muss, mit denen man arbeitet.

Was bedeutet Nouvelle École für dich?

Nouvelle École ist ein extrem interessantes Programm zur Supervision, weil es viele verschiedene musikalische Fragestellungen bündelt. Es ist natürlich eine musikalische Talentshow, daher sind die Fragen rund um die Musik allgegenwärtig.

Es ist Sasha White, der mir die Supervision von Nouvelle École anvertraut hat. Wir betreuen das Programm seit Staffel 2 und sind gerade dabei, Staffel 5 abzuschließen. In der Show gibt es verschiedene Musikarten. Zuerst die Originalmusik, produziert von einem Team von Komponisten. Man muss die gesamte Verhandlung zwischen Komponisten und Produktion begleiten und die Entstehung der Musik organisieren, die die verschiedenen Momente begleitet, in denen die Talente in der Show singen.

Dann gibt es die sogenannten klassischen Synchros, insbesondere die der Jury-Mitglieder. Als SCH dabei war, handelte es sich um Synchros aus seinem eigenen Repertoire, wie bei SDM. Und dann gibt es noch viel spezifischere Typologien, die zur Show gehören.

Ich denke zum Beispiel an die Sample-Folge, bei der das Konzept darin besteht, ein ikonisches Sample des französischen Rap zu verwenden, um einen neuen Song zu kreieren, der live in der Show interpretiert wird. Hier muss man die Nutzung des Samples verhandeln, aber auch dessen Verwertung außerhalb des Programms.

Wie in jeder Talentshow müssen die Songs die Show verlassen können, auf Streaming-Plattformen landen und idealerweise den Talenten Erfolg ermöglichen. Die Mechanik ähnelt der von Nouvelle Star oder Star Academy, mit dem Unterschied, dass diese Shows oft an ein Label gebunden sind, was hier nicht der Fall ist.

Es gab also eine große Vermittlungsarbeit zwischen der Produktion und den Labels, oft Majors, die die Rechte an den Samples halten, und Netflix, das sowohl Sender der Show als auch Produzent der daraus entstehenden Inhalte ist.

Wie siehst du heute die Rolle der KI in der Musik?

Im Moment wirkt sich KI nicht direkt auf die Musikproduktion in der Werbung aus, hauptsächlich wegen der Frage der Rechte. Man kann die geistigen Eigentumsrechte an einer von KI generierten Musik noch nicht garantieren.

Als transformierendes Werkzeug hingegen kann sie interessant werden, solange die Urheberschaft klar ist und der Komponist die Herkunft des Materials garantieren kann.

Das Projekt, auf das du am stolzesten bist?

Nouvelle École, wegen der Supervision. Und allgemein jedes Projekt, das ich mit den Komponisten, die ich begleite, erfolgreich abschließe. Meine Freude ist es, ihnen zu helfen, unter guten Bedingungen zu arbeiten und ihre Karriere aufzubauen.

Wenn du bei der musikalischen Supervision völlige Freiheit hättest?

Die Olympischen Spiele Paris 2024 oder Emilia Perez. Zwei sehr unterschiedliche Projekte, die aber jeweils auf ihre Weise eine Art Höhepunkt für einen musikalischen Supervisor darstellen.