„Live-Musik ist ein Moment kollektiver Empathie, den nichts ersetzen kann“ – Tales S2 Ep. 5 Pierre-Pascal Houdebine

Vom Musiker zum Konzertproduzenten geworden, begleitet Pierre-Pascal Houdebine seit mehr als vierzig Jahren die Veränderungen der Live-Branche. Alles beginnt mit einer alten Trompete, der seines Vaters, die er mit etwa zwanzig Jahren in der Abstellkammer der Familienwohnung wiederfindet. Zur gleichen Zeit holt ein Freund die Posaune seines Vaters vom Dachboden: Die beiden Bläser steigen bei Les Satellites ein, einer Clique von Freunden, die professionell wird und zu einer prägenden Band des französischen Alternative Rock der 80er und 90er Jahre avanciert. Acht Jahre auf Tour, von 20 bis 28, bis hin zur Olympia.

Ohne Abschluss und ohne Berufsausbildung nach dem Ende der Band entdeckt er, dass ihm das Organisieren genauso viel Freude macht wie das Spielen. Zwei Jahre lang programmiert er das Glazart in La Villette, dann gründet er 1999 Furax – zehn Jahre nach einer provokanten Bemerkung am Set von Nulle part ailleurs, wo ein Gast vorausgesagt hatte, dass diese jungen Musiker irgendwann Unternehmenschefs würden. Heute ist Furax eine unabhängige Produktion mit fünf Mitarbeitenden und einem sorgfältig ausgewählten, oft engagierten Künstlerkatalog.

In dieser Folge von Tales spricht er über das Cembalo seines Vaters in einer Sozialwohnung, über den Unterschied zwischen Produzieren und Veranstalten, über die Strukturierung der Live-Branche in Frankreich mit den SMAC, über den langen Weg von Hocus Pocus zu C2C und zum Victoire de la Musique von Ben Mazué sowie darüber, was ein Konzert unersetzlich macht.

Pierre-Pascal Houdebine – Konzertproduzent

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Das Tales-Interview

Was sind, soweit du dich erinnern kannst, deine ersten musikalischen Erinnerungen?

Sie sind ganz klar mit meinem familiären Umfeld verbunden. Meine Eltern hörten unglaublich viel Musik. Besonders mein Vater war leidenschaftlicher Fan klassischer Musik, so sehr, dass er zu Hause ein Cembalo hatte. Das war ziemlich ungewöhnlich, weil wir in einer Sozialwohnung lebten. Er spielte eher amateurhaft, aber mit echtem Einsatz: Er schnitzte seine Plektren, stimmte sein Instrument und verbrachte Zeit damit, allein in einer Ecke der Wohnung zu spielen.

Es gab auch viele Platten, große Klassiker, aber auch musikalische Hörspiele, die Erzählung und Musik verbanden. Und das Singen nahm im Familienleben einen wichtigen Platz ein. Gemeinsam zu singen gehörte zum Alltag.

Musik hat sich dir also sehr früh aufgedrängt.

Ja. Sie kam ganz natürlich. Sie hat mein Gehör geschult und meine Neugier geweckt. Musik ist ein unglaublich reichhaltiges Medium: Sie ermöglicht es, ganz unterschiedliche Welten zu erkunden, weit über das reine Hörvergnügen hinaus. Sie öffnet den Blick für anderes.

Da ist diese wiedergefundene Trompete, die fast schon grundlegend war.

Das ist keine Legende. Mein Vater stammte aus einer großen Familie, in der jedes Kind ein Instrument lernen musste. Bei ihm war es die Trompete, die er später beiseitelegte. Viel später, als ich ungefähr zwanzig war, stieß ich in einer Abstellkammer auf diese alte Trompete.

Zur selben Zeit war ich mit einer Gruppe von Freunden unterwegs, die eine Band gründeten, und einer von ihnen hatte gerade die Posaune seines Vaters wiedergefunden. Wir dachten uns, dass zwei Bläser interessant sein könnten. So kam ich dazu, mit Les Satellites zu spielen, einer Band, die im französischen Alternative Rock der 80er und 90er Jahre eine Rolle spielte und zu den ersten gehörte, die Bläser wieder in diese Szene brachten.

Bevor du Produzent wurdest, hast du die Bühne also von innen erlebt.

Ja. Sehr schnell wurden Les Satellites aus einer Gruppe von Freunden zu einer professionellen Band. Wir waren viel auf Tour, spielten Dutzende Konzerte pro Jahr, traten in der Olympia auf, in Frankreich und im Ausland. Ich habe acht sehr intensive Jahre erlebt, zwischen meinem 20. und 28. Lebensjahr.

Es war eine Zeit großer künstlerischer Freiheit, die Zeit der alternativen Bewegung, in der man sich von den Codes der traditionellen Unterhaltungsmusik befreite. Rückblickend denke ich, dass diese Generation auch maßgeblich dazu beigetragen hat, das zu strukturieren, was zur Live-Branche werden sollte: Netzwerke von Spielstätten, spezialisierte Orte, Infrastruktur und sogar institutionelle Anerkennung.

Wann wird Musik zum Beruf?

Ich habe nie in Kategorien wie Karriere oder Leidenschaft gedacht. Ich hatte keinen Plan. Die Dinge haben sich einfach ergeben.

Als das Projekt endete, stand ich ohne Abschluss und ohne klaren Beruf da. Ich machte viele Gelegenheitsjobs und versuchte es mit anderen Bands. Doch mit der Zeit verstand ich, dass diese Tourjahre eine enorme Erfahrung bedeuteten: Kenntnis der Regionen, der Spielstätten, der Künstler und der tatsächlichen Abläufe des Berufs.

Parallel dazu machte es mir immer mehr Spaß, zu organisieren und zu verstehen, wie die Dinge funktionierten.

Dann gab es auch diese entscheidende Phase in der Vereinswelt.

Ja. Der Zufall führte mich dazu, an einem Ort zu proben, der noch kein richtiger Konzertsaal war: dem Glazart in La Villette. Der Ort entwickelte sich weiter, und ich wurde dort zwei Jahre lang Programmgestalter.

Ich bekam Kassetten, programmierte mit sehr wenigen Mitteln, ausschließlich dank der Eintrittsgelder. Das hat mir enorm viel beigebracht: Programmgestaltung, Lohnabrechnung, Technik, die Hintergründe einer Tournee. Ich begann, meine Kompetenzen zu erweitern, ohne Spezialist zu werden, aber so, dass ich mit allen Gewerken sprechen konnte.

Furax entsteht 1999. Wie definierst du heute deine Rolle?

Furax ist ein unabhängiges Unternehmen für Konzertproduktion. Ich lege wirklich großen Wert auf das Wort Produzent.

Ich veranstalte nicht einfach nur Termine. Produzieren bedeutet, im Vorfeld zu investieren: mit den Künstlern an der Bühnengestaltung, an Residenzen sowie den künstlerischen und technischen Teams zu arbeiten und finanzielle Risiken einzugehen, noch bevor man überhaupt auf Tour geht.

Du unterscheidest sehr klar zwischen Produzieren und Veranstalten.

Ja, und das ist wesentlich. Zum Beispiel werden nicht alle angelsächsischen Shows, die nach Frankreich kommen, hier produziert: Sie sind bereits vollständig konzipiert, aufgebaut und finanziert. Dann veranstalten wir sie nur, produzieren gegebenenfalls die Termine, aber nicht die Show selbst.

Ich selbst habe fast keine ausländischen Künstler. Das kann vorkommen, bleibt aber sehr punktuell. Ich produziere vor allem französische Künstler.

Produzieren bedeutet, sich mit ihnen zusammenzutun, um eine Show zu schaffen, in dieses Projekt zu investieren, seinen Aufbau zu begleiten und es dann zu veranstalten. Und anschließend zu hoffen – was nicht immer passiert –, diese Produktion nach einer Tournee rentabel zu machen, um weiterhin Karrieren entwickeln und die Struktur am Leben halten zu können.

Dein Werdegang ist auch eng mit der Strukturierung der Live-Branche in Frankreich verbunden.

Ja, ganz klar. Die alternative Bewegung der 80er und 90er Jahre war prägend. Es gab ein Erwachen beim Publikum, aber auch ein Bewusstsein bei der öffentlichen Hand.

Es wurden politische Entscheidungen getroffen, um etwas zu strukturieren, das noch nicht wirklich existierte, insbesondere mit der Schaffung des staatlichen Labels SMAC, das es Städten ermöglichte, in echte Spielstätten für aktuelle Musik zu investieren. Diese teilweise subventionierten Säle ermöglichten es, zu proben, Residenzen durchzuführen und unter professionellen Bedingungen zu arbeiten.

Diese Strukturierung erfolgte schrittweise ab Mitte der 90er Jahre. Heute gibt es in Frankreich ungefähr hundert SMAC.

Das hat unglaublich vielen Musikern Möglichkeiten eröffnet. Es gab mehr Projekte, mehr Künstler. Wirtschaftlich hat das manchmal zu mehr Konkurrenz geführt, vor allem aber dazu, Musik als Beruf anzuerkennen. Damals galten wir als seltsame Leute. Heute ist die Arbeit in der Musik anerkannt. Und das ist etwas Großartiges.

Wenn wir über prägende Laufbahnen sprechen, können wir C2C als Beispiel nehmen?

Ja, aber man muss verstehen, dass es eine langfristige Geschichte ist. Alles beginnt um 2005 mit Hocus Pocus, zunächst mit großer Resonanz auf regionaler Ebene, besonders in Nantes.

Zwei Mitglieder waren bereits Teil von C2C. Mit den beiden anderen begannen wir nach und nach zu arbeiten: Clubs, Residenzen, Bühnen wie die Seine. Schritt für Schritt entstand eine echte musikalische und künstlerische Stärke.

Wir haben diese Entwicklung langfristig begleitet, bis wir mit Hocus Pocus 2011 schließlich in einem Zénith spielten, was den Start von C2C im folgenden Jahr klar vorwegnahm.

Mit Ben Mazué ist es genau dieselbe Logik. Als ich ihn zum ersten Mal sah, spielte er im Vorprogramm von Hocus Pocus in La Cigale. Zehn Jahre später erhielten wir einen Victoire de la Musique. Und an diesem Tag sprachen viele von einer „Entdeckung“, obwohl wir bereits seit einem Jahrzehnt zusammenarbeiteten.

Es gibt kein Wundermittel. Man muss sich anpassen und die Welt verstehen, in der wir leben. Heute existiert ein Künstler, der soziale Netzwerke komplett ablehnt, nicht. Das ist nicht für alle Generationen einfach, aber es ist eine Realität.

Was macht mit deiner Erfahrung bei einem Künstler wirklich den Unterschied aus?

Aus Erfahrung sind Entschlossenheit und die Fähigkeit zur Selbstreflexion entscheidend. Man muss Diskussionen und den Dialog mit seinem Konzertproduzenten und seinen Partnern akzeptieren.

Vor allem aber muss der Künstler eine Vision vertreten. Auch wenn er sich irrt. Wenn jemand einfach sagt: „Ich mache Songs, kümmert euch darum“, funktioniert das nicht.

Die Ambition kann sehr unterschiedlich sein: vor 500 Menschen zu spielen oder Stadien anzustreben. Dazwischen sind alle Ebenen respektabel. Der einzige wirkliche Maßstab ist, vom Amateurstatus zum Profi zu werden und von seiner Musik zu leben.

In der Live-Branche im weiteren Sinne kann man von seiner Kunst leben, ohne jemals in der Olympia zu spielen, und das ist vollkommen respektabel. In der Musik entwickelt sich Live im gleichen Rhythmus wie das Album sowie die Marketing- und Vertriebsentwicklung.

Was macht Live-Musik letztendlich absolut unersetzlich?

Wie ich vorhin schon sagte: Natürlich ist das mein Beruf, also kann ich kaum das Gegenteil behaupten. Aber dieser Moment, wenn man in einem kleinen, mittleren oder großen Saal zusammenkommt und zwischen dem Publikum und den Künstlern auf der Bühne eine allgemeine Empathie entsteht, ist etwas Einzigartiges. Er ist außergewöhnlich, vollkommen flüchtig, und genau das macht seinen Wert aus.

Ein Konzert bleibt nur in unserer Erinnerung. Das Konzert im Olympia, im Stéréolux oder anderswo, dieser unglaubliche Moment, in dem man etwas Intensives erlebt, Menschen trifft, in dem zwischen allen Anwesenden eine Art Verschmelzung entsteht – das ist unersetzlich.

Theoretisch könnte man es auf politischem Weg verschwinden lassen, durch eine administrative oder institutionelle Entscheidung. Aber das wäre eine technische Schließung. Dass man zusammenkommt, gemeinsam Freude hat, sich versteht, eine starke Emotion teilt (eine Emotion, die sich stark von der unterscheidet, die man allein zu Hause beim Hören eines aufgenommenen Albums empfinden kann) – das wird man niemals verschwinden lassen können.

Dieser gemeinsame Moment gehört zur menschlichen Natur. Und meiner Meinung nach wird er immer bleiben.

Zum Schluss: Wenn du völlig freie Hand hättest – mit welchem Künstler würdest du gerne arbeiten?

Welchen Künstler würde ich wählen, wenn ich wirklich die ultimative Wahl hätte? Das ist extrem schwierig. Denn in meinem Kopf gibt es sowohl das, was ich musikalisch schätze, als auch die Entwicklung meines Blicks mit zunehmendem Alter. Man verändert sich, man entwickelt sich weiter, und bei Musik geht es vor allem um Heranführung. Ich habe diese Idee immer vertreten: Man wird an Musik herangeführt und taucht dann immer tiefer in sie ein.

Und meine Arbeit ist eine sehr enge, sehr tiefgehende Zusammenarbeit mit einem Künstler. Deshalb ist es für mich sehr kompliziert zu sagen, ich würde gerne mit jemandem arbeiten, den ich nicht kenne, nur weil es ein Traum oder eine Projektion ist.

Ich weiß, dass einige meiner Kollegen, die als Produzenten arbeiten, diese Frage sehr leicht beantworten könnten. Ich habe diesen Blick eines absoluten Fans nicht. Zu sagen, ich hätte zum Beispiel davon geträumt, mit den Rolling Stones zu arbeiten (ich sage jetzt einfach irgendetwas), interessiert mich nicht.

Was mir wichtig ist, ist die Begegnung, der gemeinsame Weg, die reale Arbeit mit einem Künstler, nicht die Fantasie.

Ein Konzertsaal, der für dich etwas Besonderes bedeutet?

Ich würde sagen: das Bataclan.