Paga con TWINT
Musicista diventato produttore di spettacoli, Pierre-Pascal Houdebine attraversa da oltre quarant'anni le trasformazioni dello spettacolo dal vivo. Tutto parte da una vecchia tromba, quella di suo padre, ritrovata verso i vent'anni nel ripostiglio dell'appartamento di famiglia. Nello stesso periodo un amico ha appena tirato fuori dal solaio il trombone di suo padre: i due ottoni si uniscono ai Les Satellites, gruppo di amici diventato professionista, figura del rock alternativo francese degli anni '80-'90. Otto anni di tournée, dai 20 ai 28 anni, fino all'Olympia.
Senza diploma né un mestiere in mano alla fine del gruppo, scopre che gli piace organizzare tanto quanto suonare. Per due anni cura la programmazione del Glazart, alla Villette, poi fonda Furax nel 1999, dieci anni dopo una frecciata ricevuta sul set di Nulle part ailleurs, dove un ospite aveva previsto che quei giovani musicisti sarebbero finiti a fare gli imprenditori. Oggi Furax è una produzione indipendente con cinque dipendenti, con un catalogo di artisti selezionati e spesso impegnati.
In questo episodio di Tales, racconta del clavicembalo di suo padre in una casa popolare, della differenza tra produrre e distribuire, della strutturazione del live in Francia con le SMAC, del lungo percorso che porta da Hocus Pocus a C2C e alla Victoire de la Musique di Ben Mazué, e di ciò che rende un concerto insostituibile.
Pierre-Pascal Houdebine - Produttore di spettacoli
L'intervista Tales
Fin da quando hai memoria, quali sono i tuoi primi ricordi musicali?
Sono chiaramente legati all'ambiente familiare. I miei genitori ascoltavano moltissima musica. Mio padre, in particolare, era appassionato di musica classica, al punto da avere un clavicembalo in casa. Una cosa piuttosto incongrua, perché vivevamo in una casa popolare. Lo suonava in modo molto amatoriale, ma con un vero coinvolgimento: intagliava i suoi plettri, accordava il suo strumento, passava del tempo a suonare da solo in un angolo dell'appartamento.
C'erano anche molti dischi, grandi classici, ma anche dischi di storie musicali che mescolavano narrazione e musica. E poi il canto occupava un posto importante nella vita familiare. Cantare insieme faceva parte della quotidianità.
La musica si è quindi imposta molto presto nella tua vita.
Sì. Si è imposta naturalmente. Mi ha formato l'orecchio, ha risvegliato la mia curiosità. La musica è un veicolo estremamente ricco: permette di esplorare universi molto diversi, ben oltre il semplice piacere dell'ascolto. Apre ad altro.
C'è questa tromba ritrovata, quasi fondativa.
Non è una leggenda. Mio padre veniva da una famiglia numerosa in cui ogni figlio doveva imparare uno strumento. Per lui era la tromba, che poi ha lasciato da parte. Molto più tardi, quando avevo una ventina d'anni, mi sono imbattuto in quella vecchia tromba in un ripostiglio.
Nello stesso periodo frequentavo una banda di amici che stava mettendo in piedi un gruppo, e uno di loro aveva appena ritrovato il trombone di suo padre. Ci siamo detti che due ottoni potevano essere interessanti. È così che mi sono ritrovato a suonare con i Les Satellites, un gruppo che ha avuto un ruolo importante nel rock alternativo francese degli anni '80-'90 e che faceva parte dei primi a reintrodurre gli ottoni in quella scena.
Prima di diventare produttore, hai quindi vissuto il palco dall'interno.
Sì. Molto rapidamente, Les Satellites sono passati dall'essere un gruppo di amici a un gruppo professionista. Eravamo spesso in tournée, facevamo decine di concerti all'anno, abbiamo suonato all'Olympia, in Francia e all'estero. Ho vissuto otto anni molto intensi, tra i 20 e i 28 anni.
Era un periodo di grande libertà artistica, quello del movimento alternativo, in cui ci si emancipava dai codici della musica leggera tradizionale. Col senno di poi, penso che quella generazione abbia anche contribuito ampiamente a strutturare ciò che sarebbe diventato la filiera del live: reti di sale, luoghi dedicati, infrastrutture e persino un riconoscimento istituzionale.
In quale momento la musica diventa un mestiere?
Non ho mai ragionato in termini di carriera o passione. Non avevo nessun piano. Le cose sono successe strada facendo.
Quando il progetto si è fermato, mi sono ritrovato senza diploma, senza un mestiere identificato. Ho fatto molti lavoretti, ho tentato con altri gruppi. Poi, col tempo, ho capito che quegli anni di tournée rappresentavano un'esperienza enorme: conoscenza dei territori, delle sale, degli artisti, del funzionamento reale del mestiere.
Parallelamente, provavo sempre più piacere nell'organizzare, nel capire come funzionavano le cose.
C'è anche questo periodo cruciale nel mondo associativo.
Sì. Il caso mi ha portato a provare in un luogo che non era ancora una vera sala: il Glazart, alla Villette. Il luogo si è strutturato e mi sono ritrovato a fare il programmatore per due anni.
Ricevevo cassette, programmavo con pochissimi mezzi, unicamente grazie agli incassi. Mi ha insegnato moltissimo: la programmazione, le paghe, la tecnica, il dietro le quinte di una tournée. Ho iniziato ad ampliare le mie competenze, senza diventare specialista, ma riuscendo a dialogare con tutti i mestieri.
Furax nasce nel 1999. Come definisci oggi il tuo ruolo?
Furax è una società indipendente di produzione di spettacoli. Insisto davvero sulla parola produttore.
Non mi limito a distribuire date. Produrre significa investire a monte: lavorare con gli artisti sui contenuti scenici, le residenze, le squadre artistiche e tecniche, assumersi rischi finanziari ancor prima di andare in tournée.
Fai una distinzione molto chiara tra produrre e distribuire.
Sì, ed è essenziale. Per esempio, tutti gli spettacoli anglosassoni che arrivano in Francia non sono prodotti qui: sono già interamente concepiti, allestiti, finanziati. Noi allora ci limitiamo a distribuirli, eventualmente a produrre le date, ma non lo spettacolo in sé.
Da parte mia, non ho quasi nessun artista straniero. Può capitare, ma resta molto occasionale. Produco soprattutto artisti francesi.
Produrre significa accordarsi con loro per creare uno spettacolo, investire in quel progetto, accompagnarne la costruzione, poi distribuirlo. E in seguito sperare, cosa che non succede sempre, di rendere redditizia questa produzione al termine di una tournée, per poter continuare a sviluppare carriere e mantenere in vita la struttura.
Il tuo percorso è anche intimamente legato alla strutturazione del live in Francia.
Sì, molto chiaramente. Il movimento alternativo degli anni '80-'90 è stato fondativo. C'è stato un risveglio del pubblico, ma anche una presa di coscienza da parte delle istituzioni.
Sono state prese decisioni politiche per strutturare ciò che non esisteva ancora davvero, in particolare con la creazione del marchio statale SMAC, che ha permesso alle città di investire in vere sale dedicate alle musiche attuali. Queste sale, in parte sovvenzionate, hanno permesso di provare, fare residenze, lavorare in condizioni professionali.
Questa strutturazione è avvenuta progressivamente a partire dalla metà degli anni '90. Oggi esistono circa un centinaio di SMAC in Francia.
Questo ha aperto possibilità a un numero enorme di musicisti. Ci sono stati più progetti, più artisti. Dal punto di vista economico, talvolta ha creato maggiore concorrenza, ma soprattutto ha permesso di riconoscere la musica come un mestiere. All'epoca passavamo per gente strana. Oggi lavorare nella musica è riconosciuto. Ed è qualcosa di formidabile.
Quando si parla di percorsi significativi, possiamo prendere l'esempio di C2C?
Sì, ma bisogna capire che è una storia di lunga durata. Tutto comincia con Hocus Pocus, intorno al 2005, con una risonanza inizialmente molto regionale, soprattutto a Nantes.
Due membri facevano già parte dei C2C. Con gli altri due abbiamo iniziato a lavorare progressivamente: club, residenze, palchi come La Seine. Poco a poco si è creata una vera forza musicale e artistica.
Abbiamo accompagnato questo sviluppo sul lungo periodo, fino a concludere con Hocus Pocus in uno Zénith nel 2011, cosa che ha chiaramente prefigurato il lancio dei C2C l'anno successivo.
È esattamente la stessa logica con Ben Mazué. La prima volta che l'ho visto, apriva il concerto degli Hocus Pocus a La Cigale. Dieci anni dopo, ricevevamo una Victoire de la Musique. E quel giorno molti parlavano di «scoperta», mentre lavoravamo insieme da un decennio.
Non esiste una ricetta miracolosa. Bisogna adattarsi, capire il mondo in cui viviamo. Oggi un artista che rifiuta completamente i social network non esiste. Non è semplice per tutte le generazioni, ma è una realtà.
Con la tua esperienza, cosa fa davvero la differenza in un artista?
Per esperienza, la determinazione e la capacità di mettersi in discussione sono essenziali. Bisogna accettare la discussione, il dialogo con il proprio produttore di spettacoli e con i propri partner.
Ma prima di tutto, l'artista deve avere una visione. Anche se sbaglia. Se qualcuno dice semplicemente «io faccio canzoni, arrangiatevi», non funziona.
L'ambizione può essere molto diversa: suonare in sale da 500 posti o puntare agli stadi. Tra i due, tutti i livelli sono rispettabili. L'unico vero indicatore è passare dallo status di amatore a quello di professionista e vivere della propria musica.
Nello spettacolo dal vivo in senso lato, si può vivere della propria arte senza mai suonare all'Olympia, ed è perfettamente rispettabile. Nella musica, il live procede di pari passo con l'album, lo sviluppo marketing e commerciale.
Alla fine, cosa rende il live assolutamente insostituibile?
Come dicevo poco fa, ovviamente è il mio mestiere, quindi non posso dire il contrario. Ma quel momento in cui ci si ritrova in una sala, piccola, media o grande, con una empatia generale tra il pubblico e gli artisti sul palco, è qualcosa di unico. È eccezionale, completamente effimero, ed è proprio questo a renderlo prezioso.
Un concerto resta soltanto nei nostri ricordi. Il concerto all’Olympia, allo Stéréolux o altrove, quel momento incredibile in cui abbiamo vissuto qualcosa di forte, incontrato persone, in cui c’è stata una sorta di osmosi tra tutte le persone presenti, è insostituibile.
In teoria si potrebbe farlo sparire per ragioni politiche, con una decisione amministrativa o istituzionale. Ma sarebbe una chiusura tecnica. Il fatto di ritrovarsi insieme, divertirsi insieme, capirsi, condividere un’emozione forte (un’emozione molto diversa da quella che si può provare da soli a casa ascoltando un album registrato), questo non si potrà mai far sparire.
Questo momento condiviso fa parte della natura umana. E secondo me resterà per sempre.
Per concludere, se avessi carta bianca assoluta: l’artista con cui sogneresti di lavorare?
Quale artista sceglierei se avessi davvero la scelta definitiva? È estremamente difficile. Perché nella mia testa ci sono sia ciò che apprezzo musicalmente sia l’evoluzione del mio sguardo con l’età. Si cambia, ci si evolve, e la musica è prima di tutto una questione di iniziazione. Ho sempre difeso questa idea: si viene iniziati alla musica, poi ci si entra sempre più profondamente.
E il lavoro che svolgo è una collaborazione molto stretta, molto profonda con un artista. Quindi dire che mi piacerebbe lavorare con qualcuno che non conosco, solo perché è un sogno o una proiezione, per me è molto complicato.
So che alcuni miei colleghi produttori potrebbero rispondere molto facilmente a questa domanda. Io non ho questo sguardo da fan assoluto. Dire che avrei sognato di lavorare con i Rolling Stones, per esempio (sto dicendo una cosa a caso), non mi interessa.
Ciò che mi importa è l’incontro, il percorso comune, il lavoro reale con un artista, non la fantasia.
Una sala da concerto che rappresenta qualcosa di particolare per te?
Direi il Bataclan.
