Komponist, Musiker und künstlerischer Leiter, Ambroise Willaume, der seine Musik unter dem Namen Sage veröffentlicht, hat sein Handwerk an einem ungewöhnlichen Ort gelernt: der Maîtrise de Notre-Dame de Paris, ab dem sechsten Lebensjahr, mit der Kathedrale als Proberaum. Der Rest spielte sich auf der Bühne und im Studio ab. 2006 wurde die Band Revolver von einem künstlerischen Leiter auf Myspace entdeckt, zwei Alben und fünf Jahre Tourneen in Frankreich, Europa und den USA folgten. Dann die ersten Platten unter eigenem Namen und eine Rolle, die er nicht geplant hatte: der Musiker, den man ruft, um die Musik anderer zu strukturieren.
Diese Rolle begann 2011 mit Woodkid, der ihm nebenbei den Begriff „song doctor“ verpasste. Ab 2014 gewann sie mit Clara Luciani eine neue Dimension, eine über zehn Jahre andauernde Zusammenarbeit von La Grenade bis Respire encore und ein viertes Album in Arbeit. Parallel dazu gründete er Astral Bakers, ein Viererprojekt, dessen Platten in seinem Studio entstehen und das er als das ausgereifteste seines Werdegangs beschreibt.
In dieser Folge von Tales spricht er über die Folkplatten, die zu Hause liefen, über die erste Bühne im Gymnasium nach sechs Monaten Gitarre, über Lampenfieber, das er nie verloren hat und auch nicht verlieren will, darüber, was passiert, wenn mehrere Musiker gleichzeitig in einem Raum spielen, und über die Platte, die er produzieren würde, wenn er jeden beliebigen Künstler wählen könnte.
Ambroise Sage - Komponist, Musiker und Regisseur
Das Tales-Interview
Erinnerst du dich an deine allerersten musikalischen Emotionen?
Ich glaube, meine allerersten Erinnerungen stammen aus dem Kindergarten, aus der Schule. Es gab ein Fest, das ist sehr verschwommen, aber man musste etwas singen. Und beim Singen habe ich gemerkt, dass ich das angenehm fand. Ein ganz einfaches Gefühl: gern die Stimme auf eine Musik zu legen, versuchen, die beiden zu harmonisieren.
Meine ersten genaueren Erinnerungen stammen aus der Maîtrise de Notre-Dame de Paris, wo ich ab sechs Jahren Musik gelernt habe. Das war eine Teilzeitausbildung, ein bisschen wie ein Sportstudium, und unser Proberaum war die Kathedrale. Es war keine besonders religiöse Ausbildung: Wir sangen für Konzerte. Der Rahmen war ziemlich beeindruckend.
War Musik schon in deinem familiären Umfeld präsent?
Überhaupt nicht. Ich komme nicht aus einer Musikerfamilie, nicht mal entfernt. Wir hörten zu Hause Musik, aber ich hatte keine besondere Einführung. Meine Schwester spielte Klavier, also hörte ich als Kind viel Klassik. Meine Mutter hörte viel klassische Musik, und wir hatten auch ein paar Folkplatten aus den 60ern und 70ern: Simon & Garfunkel, Cat Stevens, Léonard Cohen.
Wenn ich sie heute höre, habe ich immer noch dieses starke Gefühl der Rückkehr in die Kindheit. Vor allem Simon & Garfunkel. Und auch ABBA: Wir hatten ein Best-of im Auto, das wir in Dauerschleife hörten. Damals, wenn eine CD im Auto lag, kannten wir sogar die Reihenfolge der Stücke auswendig.
Wenn du deinen Werdegang in große Kapitel einteilen müsstest?
Das erste ist Revolver. Wir haben die Band 2006 gegründet. Wir hatten eine Myspace-Seite eröffnet, weil das damals einfach dazugehört hat, und wir haben Demos aufgenommen, um sie zu füllen. So wurden wir von einem künstlerischen Leiter kontaktiert. Wir dachten, das sei ein Scherz, meine Eltern auch. Und doch war es wahr. Wir haben unterschrieben, zwei Alben veröffentlicht, fünf oder sechs Jahre lang ohne Pause getourt, in Frankreich, Europa, den USA. Wir waren Anfang zwanzig und haben plötzlich alles entdeckt.
Das zweite Kapitel ist Sage, solo. Meine ersten Platten unter eigenem Namen. Parallel begann ich, Musik für andere zu machen. Die erste wichtige Zusammenarbeit war mit Woodkid um 2011, gegen Ende von Revolver.
Das dritte Kapitel ist Clara Luciani. Wir trafen uns 2014. Wir arbeiteten lange im Schatten, ohne dass es sofort durchschlug. Selbst La Grenade explodierte nicht sofort. Und dann wurde es irgendwann unvermeidlich.
Das vierte Kapitel ist Astral Bakers. Ein Bandprojekt zu viert, bei dem wir die Musik gemeinsam machen. Das ist heute wohl das ausgereifteste und vor allem das, was mir am meisten entspricht.
Die Band scheint ein zentrales Thema in deinem Werdegang zu sein.
Allein Musik zu machen, ist irgendwann ziemlich traurig. Nach der Erfahrung mit der Band habe ich die Solo-Tourneen sehr schwer verkraftet: allein auf der Bühne zu stehen, allein vor und nach den Konzerten. Der Ausstieg von der Bühne ist furchtbar, wenn man niemanden hat, mit dem man das teilen kann.
Musik ist etwas, das man teilt. Was mich heute interessiert, ist nicht so sehr die Technik, sondern das Zuhören und die Interaktion. Diese Zerbrechlichkeit zu suchen, die eine gute Aufnahme ausmacht, den Moment, in dem etwas passiert, das man nicht erwartet hatte.
Wenn ich Platten produziere, versuche ich immer, dass mehrere Instrumente zusammen spielen oder zumindest mehrere Elemente miteinander interagieren. Das macht die Musik lebendiger, unvorhersehbarer. Auch wenn es eine wirtschaftliche Realität gibt (eine Band kostet mehr auf Tour), kann ich mir bei Astral Bakers nicht vorstellen, ohne einen der vier zu spielen. Das wäre zu seltsam.
Wann hast du verstanden, dass Musik eine zentrale Rolle in deinem Leben spielen würde?
Das erste Mal, dass ich auf der Bühne stand, war beim Schulfest. Ich hatte sechs Monate Gitarre gespielt. Wir waren sehr schüchtern. Wir spielten ein Stück von den Red Hot Chili Peppers. Und da habe ich etwas sehr Starkes gespürt: sich selbst zu übertreffen, jemand anderes zu werden, über das hinauszugehen, was man denkt zu sein.
Es war ein Sprung ins Leere. Ein totaler Risikoakt. Und gleichzeitig ein unglaubliches Loslassen, ab der ersten Note. Sicherlich war ich nicht sehr gut, aber dieses Gefühl hat mich geprägt. Es ist wirklich die Bühne, die mir Lust gemacht hat weiterzumachen.
Du sprichst oft von Lampenfieber. Wie ist dein Verhältnis dazu?
Das ist sehr zwiespältig. Vor wichtigen Konzerten, eine oder zwei Stunden vorher, frage ich mich immer, warum ich mir das antue. Ich sage mir, dass es furchtbar ist. Und das passiert mir jedes Mal.
Aber die wenigen Konzerte, bei denen ich kein Lampenfieber hatte, bei denen ich entspannt war, fand ich sehr traurig. Lampenfieber gehört zum Paket dazu. Es gibt nur wenige Momente im Leben, in denen man das so fühlt. Und nach dem Konzert ist es so berauschend.
Ich habe es schon immer gehabt, selbst als ich mit 18 in Bars gespielt habe. Bevor ich auf die Bühne ging, sagte ich mir schon: „Warum mache ich das?“ Und trotzdem bin ich wieder hingegangen.
Deine Zusammenarbeit mit Clara Luciani scheint entscheidend zu sein.
Mit Clara sind die Momente des Schreibens immer ziemlich beeindruckend. Die, in denen wir einfach im Studio sind, ohne einen festen Plan.
In der Regel generiere ich viele musikalische Ideen: Akkordfolgen, Motive, Melodien. Das ist manchmal ziemlich intuitiv, fast zufällig. Und irgendwann spüre ich, dass sie etwas anspricht. Dann fängt sie an, darüber zu summen. Wenn diese Übereinstimmung da ist (zwischen dem, was ich spiele, und der Melodie, die sie findet), passiert etwas ganz Besonderes.
Es ist wie eine Choreografie. Wir finden uns, wir stimmen uns ab. Ich denke, Clara ist die erste Person nach Revolver, mit der ich dieses Gefühl des „musikalischen Tanzes“ wiedergefunden habe. Mit meinen Freunden von Revolver, Christophe und Jérémy, hatten wir das im Laufe der Zeit entwickelt: ein fast instinktives Verständnis, ohne reden zu müssen. Wir kannten uns so gut und suchten ein bisschen dasselbe.
Mit Clara gibt es auch etwas in dieser Richtung. Heute arbeiten wir am vierten Album, und wir arbeiten seit mehr als zehn Jahren zusammen. Es ist ziemlich beeindruckend zu sehen, wie manche Ideen scheinbar ganz natürlich, fast gleichzeitig bei beiden entstehen.
Dass unsere Songs ein so breites Publikum gefunden und so populär geworden sind, hat mich, glaube ich, in Bezug auf diese Spannung sehr beruhigt.
Die Arbeit mit Clara ermöglicht es mir auch, Facetten meiner musikalischen Persönlichkeit zu erforschen, die ich allein wahrscheinlich nicht erkundet hätte. Auf dem zweiten Album zum Beispiel, mit dieser Wendung zum Disco, habe ich angefangen, sehr präsente Basslinien zu erarbeiten, zu slappen, Grooves zu suchen. Das sind Dinge, die ich für meine persönliche Musik wahrscheinlich nie gemacht hätte.
Woodkid war auch eine wichtige Begegnung.
Er ist die erste Person, die mich gebeten hat, ihm außerhalb meiner Band bei seiner Musik zu helfen. An diese Rolle hatte ich nie gedacht. Woodkid ist jemand, der brillant und unersättlich ist, der alles kann. Er hat einen sehr visuellen und texturalen Zugang zur Musik.
Ich kam, um seine Intuitionen zu strukturieren, Akkorde an die richtige Stelle zu setzen. Das war extrem lehrreich. Und er hat mir Vertrauen in diese eher diskrete Rolle gegeben, indem er mir gezeigt hat, dass sie spannend sein kann.
Wie erlebst du diese Position, die oft als „im Schatten“ beschrieben wird?
Das ist eine Facette von mir, aber sie würde nicht ausreichen. Ich hätte Schwierigkeiten, nur das zu machen. Ich muss weiter für mich suchen, sonst habe ich das Gefühl, eine Rezeptur abzuarbeiten.
Wenn ich Produzent bin, bleibe ich im Dienst des Werks von jemand anderem. Ich akzeptiere auch die Entscheidungen des Künstlers: Es ist seine Musik, er oder sie wird sie auf der Bühne verteidigen. Ich habe kein fehlplatziertes Ego in Bezug darauf.
Wie ist diese Rolle bei Astral Bakers organisiert?
Wir versuchen vor allem, dafür zu sorgen, dass jeder echte Freiheit im Spiel und in den Vorschlägen hat. Die Platten entstehen in meinem Studio, also sitze ich öfter am Computer, aber wir sind fast immer zusammen. Es ist ein ziemlich hybrides Gleichgewicht, das aber gut funktioniert.
Du sprichst oft von Beschränkungen beim Schaffen.
Ich finde es immer gut, von Beschränkungen auszugehen, auch willkürlichen. Das ist ein Ausgangspunkt. Ein neues Instrument zum Beispiel ist immer sehr inspirierend: eine kleine Welt, die sich öffnet.
Ich finde es auch wichtig, bis zur letzten Sekunde weiter zu komponieren. Oft kommen die besten Songs am Ende, wenn man völlig eingetaucht ist. Respire encore mit Clara entstand am letzten Studiotag. Wir sollten nicht komponieren. Und in einer halben Stunde war der Song da.
Wenn du eine „magische“ Karte hättest und das Album des Künstlers deiner Wahl produzieren könntest, egal ob lebendig oder verstorben, wen würdest du wählen?
David Bowie. Weil er nie aufgehört hat zu suchen. Selbst sein letztes Album ist spannend. Ich mag auch die Vorstellung, dass seine Platten schnell gemacht wurden. Ich liebe das Gefühl, eine Platte fast unbewusst zu machen.
