Astral Bakers-Bassistin: Wie Theodora Delilez in Bercy landete

Für diese neue Folge von Tales haben wir Theodora Delilez getroffen. Als Bassistin, Sängerin, Komponistin und Produzentin zieht sie sich mit demselben Anspruch durch ihre Projekte: dem treu zu bleiben, was wirklich in ihr nachhallt. Von ihren ersten musikalischen Erinnerungen bis zur Gründung von Astral Bakers, über Unabhängigkeit, Bühne, Produktion und die Begleitung anderer Künstler:innen hinweg erzählt Theodora von einem Weg, der von langsamem Aufbau, bewussten Entscheidungen und einem Blick für das Wesentliche geprägt ist.

Ein intensives und sensibles Gespräch über 80s-Synths, Bass, menschliche Konstellationen, die innere Stimme – und diese ganz persönliche Art, Musik zu leben, ohne sie beherrschen zu wollen.

Die Band Astral Bakers

Das Tales-Interview

Erinnerst du dich an deine erste prägende Erinnerung an Musik?

Nicht an einen bestimmten Moment, sondern an eine Atmosphäre. Als Kind nahmen uns meine Eltern oft mit dem Auto in die Berge. Da war der Geruch im Auto, die Kurven, die Decken, die wir auf der Rückbank bekamen … Und vor allem die Musik. Wir hörten Leonard Cohen, Bryan Ferry, The Doors. Diese Erinnerung daran, mit sehr guter Musik in den Ohren dazuliegen, ist prägend.

Kommst du aus einer Musikerfamilie?

Nicht wirklich. Meine Eltern sind Musikliebhaber, vor allem von Rock aus den 60ern, 70ern und ein bisschen den 80ern. Aber es gab kein Vorbild als Berufsmusiker:in. Die einzige Ausnahme war mein großer Bruder, der in seinem Zimmer Gitarre spielte. Als ich ihn sah, wollte ich es auch ausprobieren, aber auf eine andere Art. Ich entschied mich für den Bass. Und das hat mir gezeigt, dass man auch anders lernen kann, ohne aufs Konservatorium zu gehen.

Was war deine erste musikalische Praxis?

Ich nahm Bassunterricht bei Freunden meines Bruders. Dann, in der 8. Klasse, stieg ich in eine Band ein, deren Mitglieder in der 9. Klasse waren. Der Auslöser war Pink Floyd. Als ich ihnen sagte, dass ich das mochte, interessierten sie sich für mich. Ich log und sagte, ich würde seit einem Jahr Bass spielen, obwohl es erst drei Monate waren. Wir probten zusammen, sie brachten mir alles Note für Note bei. Und sie schlugen mir vor, mit ihnen bei der Fête de la Musique zu spielen. Diese Hard-Rock-Band bestand acht Jahre lang.

Und wann hast du dein eigenes musikalisches Universum entwickelt?

Das geschah nach und nach. Was ich wirklich mochte, waren nicht die großen Riffs, sondern die Synth-Flächen, die Texturen. Mich berührte die Mischung aus Gitarren und Synths. Und im Radio hörte ich emotionalere Songs, Balladen aus den 80ern wie Everybody’s Got to Learn Sometimes. Diese cheesy, sentimentale Seite sprach mich sehr an. Das hat meinen Geschmack geprägt, den ich später in meinem eigenen Sound weiterentwickelt habe.

Gibt es Songs, die dich sofort in diese Zeit zurückversetzen?

Ja, viele. Wie Siri Hustvedt in Souvenirs de l’avenir geschrieben hat, gibt es Songs, die dich in den Moment zurückversetzen, als du das ganze Leben noch vor dir hattest. Für mich sind das Lady in Red von Chris de Burgh, I’m on Fire von Springsteen oder auch Dire Straits. Wenn ich das höre, erinnere ich mich daran, wie es war, 15 zu sein, an diesen Wunsch, auszubrechen und etwas Größeres zu erleben.

Kannst du uns die wichtigsten Etappen deines Werdegangs erzählen?

Da war diese erste Teenagerband namens Metal Finger, dann The Spine. Anschließend, mit etwa 19 oder 20 Jahren, lernte ich zwei Mädchen kennen, mit denen wir Théodore, Paul et Gabriel gründeten, eine Folk-Rock-Band, die 5-6 Jahre bestand. Mit diesem Projekt begann ich, mich zu professionalisieren: ein Album, eine Tournee, Presse.

Aber damals erlaubte ich mir noch nicht, über den Bass hinauszugehen. Ich war etwas gehemmt. Auf dieser Tournee begann ich, allein zu erkunden und Dinge zu hören, die mich persönlich stärker ansprachen.

Hast du damals dein Soloprojekt gestartet?

Ja. Ich sagte mir: Wenn ich unabhängig sein wollte, musste ich lernen, selbst zurechtzukommen. Ich investierte in ein Mikrofon, ein Keyboard, eine Software. Man lieh mir einen Yamaha PSR-36, und ich begann, von den Sounds zu träumen. Nach und nach fand ich mein eigenes Universum. Ich veröffentlichte eine erste EP, dann 2017 Obsession. Danach ein Album und kürzlich noch eine EP.

Und nebenbei begleitest du weiterhin viele Künstler:innen?

Ja. Ich habe mit Sage, Fishbach, Juniore, Laura Cahen, Ricky Hollywood, Barbagallo gespielt … Und seit drei Jahren bin ich Teil einer Band, die mir besonders am Herzen liegt: Astral Bakers, mit Sage, Zoé Hochberg und Nicolas Lockhart. Wir wollten etwas sehr Menschliches schaffen, ohne Computer, ohne künstliche Effekte. Einfach gemeinsam gespielte Musik, in einer Atmosphäre des Vertrauens, ohne Druck. Nach zwei Jahren Arbeit im Verborgenen veröffentlichten wir ein Album. Wir waren sogar auf Tour und spielten die Zéniths mit Clara Luciani, darunter auch Bercy. Das war beeindruckend.

Erinnerst du dich an ein besonders prägendes Bühnenerlebnis?

Ja, an zwei. Das erste war 2017 mit Barbagallo in Südamerika. Wir spielten auf einem kleinen Festival in Belém, im Norden von Brasilien. Ich hatte Jetlag, war völlig benommen, und trotzdem musste es losgehen. Der Empfang durch das Publikum war unglaublich. Es war schwül, intensiv, unerwartet. Ich dachte: „Wie bin ich hier gelandet?“

Und dann haben wir vor Kurzem mit Astral Bakers in Bercy gespielt. Vor einem Menschenmeer als Support zu spielen, ist eine Herausforderung. Du hast 30 Minuten, um das Publikum für dich zu gewinnen. Und wir haben es geschafft.

Wie gehst du mit Phasen des Zweifelns und Schreibblockaden um?

Sie gehören zum Weg dazu. 2019-2020 hatte ich eine echte Phase des Hinterfragens, und das lag nicht einmal an Covid. Der Lockdown ermöglichte mir eher, mich wieder auf mich selbst als Mensch zu konzentrieren. Nicht nur als Künstlerin. Manchmal verliert man sich in der Vorstellung, produzieren und sichtbar sein zu müssen. Da verstand ich, dass das Leben nicht nur daraus besteht, Konzerte zu spielen oder gute Songs zu schreiben.

Und was denkst du über soziale Netzwerke und Self-Branding?

Ich mache mit, aber ich bin nicht damit aufgewachsen. Jüngere Menschen haben dafür eine Art natürlichen Reflex, den ich nicht habe.. Deshalb gehe ich auf Distanz. Manchmal ist es frustrierend: Du machst einen guten Song, ein gutes Video, und manchmal passiert einfach nichts. Aber ich versuche, mir zu sagen, dass es schon ein riesiges Glück ist, meine Tage diesen Projekten widmen zu können.

Was bedeutet es für dich, eine gute Instrumentalistin zu sein?

Zu wissen, was du einer Künstlerin oder einem Künstler, den du begleitest, geben kannst. Im Dienst eines Projekts zu stehen, das nicht dein eigenes ist, ohne dich selbst auszulöschen, aber indem du deinen richtigen Platz findest. Beobachten, verstehen, begleiten. Und das mag ich. Ich muss nicht unbedingt die ganze Zeit im Mittelpunkt stehen.

Und war der Bass eine bewusste Entscheidung oder Zufall?

Ganz klar Zufall. Ich merkte, dass es mir leichtfiel, auch wenn ich am Anfang etwas faul war. Ich habe große Hände, ein gutes Gehör … Es hätte auch ein anderes Instrument sein können, aber es wurde eben der Bass.

Ich glaube überhaupt nicht an Vorherbestimmung. Was in meinem Leben zentral geworden ist, sollte anfangs nur eine Nebensache bleiben. Und durch viele kleine Ereignisse, Schicksalsschübe, Begegnungen … wurde es zur Hauptsache. Aber es war kein „meant to be“.

Findest du, dass sich die Dinge in der Branche verändert haben?

Ja. Ich sehe mehr Frauen, queere und rassifizierte Menschen, die das Wort ergreifen und ihre Stimme geltend machen. Künstler:innen wie Yoa oder Iliona behandeln Themen, die man früher nicht sah. Da hat sich wirklich etwas verschoben. Gleichzeitig werden die Ungleichheiten aber größer. Indie-Künstler:innen kämpfen zunehmend darum, überhaupt zu existieren und auf ihre Stunden zu kommen. Der Algorithmus ist unvermeidlich.. es gibt wunderbare Stimmen, die noch nicht gehört werden.

Und heute ein persönliches Projekt zu verwirklichen?

Ein persönliches Projekt zu verwirklichen bedeutet für mich heute zunächst einmal, zu versuchen, in einer Welt, die ziemlich unpersönlich geworden ist, eine eigene Stimme einzubringen. Ich glaube wirklich, dass es noch Platz für Originalität gibt. Mich interessiert, die eigene innere Stimme so weit wie möglich zu pflegen, zu versuchen, von dem zu erzählen, was man aus seinem kleinen Leben zu sagen hat, und es mit möglichst vielen Menschen zu verbinden … ohne unbedingt mainstream zu werden. Es gilt, ein subtiles Gleichgewicht zu finden.

Woran ich wirklich glaube, ist die Konstellation. Ein Kreis von Verbündeten. Ein Netzwerk aus Indies, Nahestehenden, Musiker:innen, Techniker:innen, Menschen, die sich gegenseitig helfen – in ihren Schwächen ebenso wie in ihren Stärken. Die sich gegenseitig nähren, ohne nur für sich selbst zu arbeiten. Ich weiß, dass das dem Bild des Solo-Artists widerspricht, der alles verkörpern, alles tragen will … ich denke, diese Figur ergibt heute immer weniger Sinn.

Ein Kultalbum, auf dem du liebend gern „Bass: Theodora“ gelesen hättest?

Mit Cat Stevens.

Und wenn du dein nächstes Album irgendwo auf der Welt aufnehmen könntest?

Eine griechische Insel. Vielleicht Spetses. Ich habe dort Wurzeln, und dort fühle ich mich am wohlsten.