Wir leben in einer großartigen Zeit, und sich durch eine Musikaufnahme zu verewigen, ist längst nicht mehr nur den Kunden von Studios vorbehalten, die mehrere Zehntausend Euro kosten.
Heutzutage reicht ein Computer mit einer Software wie Pro Tools, Cubase oder Live, eine Soundkarte (günstige und qualitativ hochwertige Modelle gibt es von Focusrite, Presonus oder Steinberg) und ein Allzweck-Mikrofon (wie das klassische Eagletone CM60 oder das unverwüstliche Shure SM58), um ein Album zu produzieren, das durchaus glaubwürdig ist.
Das Problem liegt heute weniger an der Ausrüstung, sondern mehr an der Anwendung, und deshalb ist es immer gut, jemanden Erfahrenen zu haben, der einem mit Rat zur Seite steht.
Es gibt keine Regeln, da es sich um künstlerische Entscheidungen handelt, daher werden wir Ihnen nicht sagen, was Sie tun sollen.
Dennoch gibt es Dinge, die man nicht tun sollte, da sie Ihnen viel Zeit kosten können.
Hier sind also 10 Mixfehler, die Sie unbedingt vermeiden sollten!
Sie können sich auch nicht leisten, Ihr Album dort mischen zu lassen? Keine Sorge, noch ist nichts verloren!
Lassen Sie Ihre Sachen nicht herumliegen
Die Arbeit des Vorreinigens vor dem Mix ist ein entscheidender Schritt.
Sie ist auch eine mühsame und weniger „sexy“ Phase, denn beim Reinigen erzeugt man nicht wirklich Klang.
Übrigens überlassen die Star-Toningenieure diese Aufgabe ihren Assistenten und beginnen erst mit der Arbeit, wenn ein sauberer Mix vorliegt.
Alles beginnt mit der Organisation der Spuren: die Spuren mit einfach verständlichen Namen versehen, Spuren nach Instrumenten gruppieren, um alle Elemente des Schlagzeugs zusammenzuhaben, alle Gitarren und Gesangsspuren griffbereit, jeder Instrumentenart eine Farbe zuweisen, nicht genutzte Spuren ausblenden, Gruppen und Untergruppen erstellen…
Wenn Ihre Session optimal präsentiert ist, beginnt die Audio-Reinigung: Spurenanfänge und -enden vom Klick entfernen, Gesprächsfetzen des Sängers vor der Aufnahme löschen, Count-in mit Sticks entfernen…
Es gibt viel zu tun!
Lassen Sie nicht zu, dass die Spontaneität der Musiker den Mix unordentlich macht
Wir leben in einer Zeit, in der ein Musiker, der einen kleinen Fehler bei einer Studioaufnahme macht, nicht gezwungen ist, das Stück von vorne zu spielen, und oft muss er den betreffenden Part nicht einmal neu einspielen, da es einfach ist, die Note an anderer Stelle zu holen, wenn es sich um einen musikalischen Teil handelt, der mehrfach im Stück gespielt wird.
Der Großteil des Audio-Editings konzentriert sich vor allem auf die Übergänge.
In der Aufregung des Moments (und mit dem Aufnahmestress als Verstärker) spielen die Musiker nicht immer perfekt zusammen, und wenn das zu sehr auffällt, bekommt der Hörer den Eindruck, sie könnten nicht spielen, und der Mix wird komplizierter, weil Sie dann versuchen, diese Ungenauigkeiten zu verstecken, anstatt den Klang des Ganzen zu betonen.
Ein bisschen Editing und das ist vergessen!
Natürlich muss das Editing so sauber wie möglich sein, denn wenn man es hört, wird es noch schlimmer.
Im schlimmsten Fall, wenn die Musiker wirklich schlecht sind, gibt es virtuelle Instrumente, die absolut glaubwürdig sind, wie das klassische Kontakt!
Töten Sie nicht die Spontaneität der Musiker
Das Problem beim Editing ist, dass man ständig der Versuchung widerstehen muss, zu weit zu gehen.
Mit anderen Worten: Man kann eine musikalische Performance erschaffen, die technisch absolut perfekt ist, aber alle künstlerischen Intentionen der Instrumentalisten auslöscht.
Man muss also unterscheiden zwischen Ungenauigkeiten, die die Energie eines Stücks zerstören, und solchen, die seine Spontaneität erhöhen.
Das Problem ist, dass es dafür keine wirklichen Regeln gibt und dieser Schritt Ihr künstlerisches Gespür erfordert.
Ein guter Weg, das zu beurteilen, ist, das Stück mit halbem Ohr zu hören, also in einem anderen Raum oder während man einer anderen Tätigkeit nachgeht.
Wenn der Fehler Ihnen trotzdem sofort auffällt, sollten Sie etwas dagegen tun.
Wenn Sie ihn nur bei konzentriertem und analytischem Hinhören bemerken, ist die Wahrscheinlichkeit groß, dass er die musikalische Botschaft nicht stört.
Stapeln Sie nicht zu viele Informationen
Die meisten Sequencer-Programme erlauben es, sehr viele Spuren gleichzeitig abzuspielen, aber das heißt nicht, dass Sie alles benutzen müssen!
„Mehr“ heißt nicht unbedingt „besser“, und je mehr Elemente gleichzeitig spielen, desto mehr müssen Sie kniffeln, um ihnen einen Platz im Mix zu geben.
Wenn die betreffende Spur keine unverzichtbare Information enthält, versuchen Sie es ohne sie, und Sie werden sehen, dass die anderen Elemente automatisch besser zur Geltung kommen.
Ein ganz einfaches Beispiel: Im Metal ist es üblich, die Gitarrenparts zu doppeln, aber sobald man mehr als die zwei Hauptspuren in Stereo übereinanderlegt, wird der Klang unübersichtlicher.
Behalten Sie also die dritte und vierte Gitarre für sehr bestimmte und relativ kurze Parts, das bringt Ihnen garantiert mehr Power.
Zwei Plattenreverbs nebeneinander, jede wiegt ungefähr zwei tote Pferde.
Ertränken Sie nicht alles im Hall
Der Hall ist ein Schönheitsfehler-Überdecker, der nichts wirklich versteckt: Indem er eine schöne Atmosphäre hinzufügt, vermittelt er den Eindruck, dass der Klang des Instruments besser ist, schmeichelt der Stimme und macht Fehler weniger sichtbar.
Bisher klingt das doch super, oder?
Aber der Hall ist sehr dominant, er macht den Mix viel verschwommener und verringert die Wirkung der Anschläge.
Wenn es ein bewusst eingesetzter Effekt ist, wie bei den Produktionen von Brian Eno in den 80ern, rechtfertigt der übermäßige Hall eine künstlerische Entscheidung.
Für die meisten anderen Stile sollte der Hall wahrnehmbar, aber nicht hörbar sein: Je diskreter er ist, desto besser erfüllt er seine Aufgabe, die verschiedenen Instrumente leicht voneinander zu trennen.
Ein deutlicherer und markanterer Hall kann als punktueller Effekt interessant sein, und in diesem Fall kann es sogar sinnvoll sein, ihn schon bei der Aufnahme einzusetzen.
Komprimieren Sie nicht wie ein Wilder
Kompression wird von jedem verwendet.
Es gibt kein Album auf der Welt, auf dem diese Bearbeitung nicht angewendet wurde.
Indem man zu leise Signalpegel anhebt und zu laute absenkt, sorgt die Kompression für eine konstantere Lautstärke, um das Instrument im Mix besser zu platzieren.
Bei einer Stimme ist die Kompression zum Beispiel unerlässlich, um zu verhindern, dass Wörter zu weit vom Mikrofon entfernt oder zu nah gesungen werden.
Das Problem ist, dass man bei zu viel Kompression die gesamte Dynamik verliert, die dem Stück Relief verleiht.
Außerdem wird ein zu stark komprimiertes Stück schnell anstrengend fürs Ohr, und was anfangs nach einem kräftigen und präsenten Stück klang, verwandelt sich schnell in eine erschöpfende Breiigkeit.
Komprimieren Sie also, aber töten Sie nicht die Dynamik!
Die Fairchild-Kompressions-Plugins von UAD. Sie können nach einer originalen Maschine aus der Zeit suchen, aber die dürfte etwa 50.000 Dollar kosten…
Equalizen Sie nicht, indem Sie alles anheben
Die Equalizer-Einstellung ist das A und O eines gelungenen Mixes: Indem Sie die für jedes Instrument typischen Frequenzen finden, verhindern Sie, dass sie sich gegenseitig überlagern, und es ist nicht nötig, sie durch Kompression hervorzuheben, wenn sie ihren festen Platz irgendwo zwischen 20 Hz und 20 kHz haben.
Doch auch dieser geliebte Equalizer kann eine gefährliche Falle sein, wenn man dem verführerischen systematischen Anheben verfällt.
Einfach gesagt: Ein Equalizer kann Frequenzen entweder absenken oder anheben.
Das Problem ist, dass die Instrumente beim Anheben anfangen, um den Klangraum zu kämpfen, noch schlimmer als vor dem Equalizer.
Indem Sie unnötige Frequenzen abschneiden und nur die für die jeweilige Spur relevanten Bereiche behalten, wird der Mix viel klarer.
Natürlich klingt die Einzelspur dann weniger schmeichelhaft, aber das ist auch ein Schlüssel zu einem erfolgreichen Mix: Man darf nie die Platzierung jeder Spur im Gesamtbild aus den Augen verlieren.
Ein weiterer Vorteil der subtraktiven Equalizer-Einstellung ist, dass man zu hohe Pegel vermeidet, was uns zum nächsten Verbot führt…
Mischen Sie nicht im roten Bereich
In der guten alten Zeit der Bandmaschinen (nur wer sie nicht erlebt hat, ist wirklich nostalgisch!) konnte man jede Spur bis zur Übersteuerung treiben („im Roten“, in Anlehnung an die Nadel des Vumeters, die in den roten Bereich geht), und das Ergebnis war eine angenehme Gesamtkompression.
Das Problem bei der Digitaltechnik ist, dass sobald man den roten Bereich berührt, das Ergebnis nie musikalisch klingt.
Die digitale Verzerrung (und im schlimmsten Fall das Clipping) ist ein besonders unerwünschtes Artefakt und verrät sofort den „Amateur“-Charakter Ihrer Produktion.
Achten Sie auch auf eine einfache Regel: Mehrere Spuren im grünen Bereich können zu einem Mix im roten Bereich führen!
Behalten Sie also die Anzeige Ihres Master-Busses genau im Auge und scheuen Sie sich nicht, alle Pegel abzusenken.
Es ist besser, Reserve zu lassen, als an den Grenzen zu spielen.
Es gab eine Zeit, da wurden Aufnahmen auf solchen Geräten gemacht…
Lassen Sie Phasenprobleme nicht die Party verderben
Das Prinzip der Phase ist einfach: Es geht um die Übereinstimmung der Wellenformen zweier Klänge.
Wenn diese Formen übereinstimmen, sind sie in Phase.
Wenn die eine jedoch das Negative der anderen ist, sind sie außer Phase.
Konkret bewirkt eine Phasenauslöschung, dass anstatt den Klang zu verstärken, die Addition der zweiten Spur Frequenzen wegnimmt und den Klang kleiner macht.
Das ist ein sehr häufiges Problem, wenn zwei Mikrofone dieselbe Quelle aus unterschiedlichen Entfernungen aufnehmen, zum Beispiel zwei Mikrofone an einem Gitarrenlautsprecher oder ein Overhead-Mikrofon und ein Snare-Mikrofon.
Hören Sie die Spuren einzeln und zusammen genau an, und wenn Ihnen etwas merkwürdig vorkommt, invertieren Sie die Phase (viele Plugins ermöglichen diese Funktion).
Mit guten Lautsprechern merken Sie schnell, ob diese Umkehrung nötig ist.
Beeilen Sie sich nicht
Es gab eine Zeit, in der ein Album in einem Studio in einer genau begrenzten Zeit aufgenommen wurde, und jede Minute kostete viel Geld.
Mit dem Aufkommen des Home-Studios haben wir zwar die erstklassige Ausrüstung verloren, die man in professionellen Studios findet, aber dafür haben wir Zeit gewonnen, ganz viel Zeit!
Sie haben also den Luxus, Ihren Mix ein paar Tage ruhen zu lassen und mit ausgeruhten Ohren und neuem Blickwinkel wieder darauf zu schauen.
Das ist ein wertvoller Vorteil, also nutzen Sie ihn!
… heute passiert das eher hier!
